複雑化し動的に変化する現代の社会では、科学的・論理的な手段、最適な解を求める手段だけでは解決できない課題が次々に生まれている。多様な人からなる複雑な社会では、より柔軟な多様性ある解を求めることが重要である。本学の先端アートデザイン分野では、自然環境やそこで培われる感性に立ち戻り、人本来の視座から感性を介して科学技術を見直し、持続的なインクルーシブ社会の創造のための日本オリジナルな科学技術・アート・デザインを世界に発信して行くことを目指している。本講義では、世界の第一線で活躍するプロフェッショナルである、先端アートデザイン分野の教員陣が、これからの未来について学生と共に議論する。

民俗芸能をはじめ各地で伝承されてきた文化を、単なる保存・保護の対象ではなく、私たちの社会にとっての現在や未来に必要なものと位置付けて、その魅力や可能性、活用方法などを担当講師の活動事例を通じて検討し、社会における実装や実践の基礎を開発準備する。 さらに、300年前から岩手県で伝承されてきた「鹿踊（ししおどり）」のデモンストレーション上演、普段触れることが難しい用具や衣装の見学、演者との交流、踊り（身体表現）や太鼓（音楽）の体験をおこない、芸能や伝承が「誰のために／なんのために創作されたのか」、これからの地域の伝承（持続可能性）や表現（文化）が、現代・未来の人間にとって必要なものになりうるのかを考察する。

この授業は、「芸術」について実践を通して学ぶ授業です。 ところで「芸術」とは何でしょうか。しばしば「芸術」は「我々が（あるいは芸術家が）、その思いや伝えたい事柄を、絵画・彫刻・音楽などを通して「表現」することなのだ」と、大変素朴に言われることがありますが、この授業ではそのようには考えません。むしろ私たちがそのような「表現したいこと」に辿り着く以前の段階、すなわち何かを感覚したり思考したりすること、その基盤（インフラストラクチャー）を作り出す行為として「芸術」を考えてみたいと思います。 「感覚や思考のインフラを作り出す行為としての芸術」について実践を通して接近するために、この授業では、私たちが身の回りのモノやコトに接することで生じる「何かを感じたり考えたりする」という経験の身も蓋もない即物的な「現実」を出発点に、そのような「現実」を作り出しているモノやコト、あるいは私たちの身体感覚に対して、リバースエンジニアリング的に観察・解体し、さらにリバース・リバースエンジニアリング的に再構成することで、各自が新たに「芸術」を作り出す経験（芸術家になる経験）を得ることを目指します。

本講義では芸術学（および美学）の基礎的概念について学びます。 美学とは18世紀に成立した学問ではありますが、古来から芸術および美については様々な思索がなされてきました。本講義ではこれらの問題について、テーマごとに主な議論を取り上げ、美学の文献講読のための基礎的知識を得ることを主な目的とします。

　本授業は「新・日本学」の科目として、ニコル・ルーマニエール先生（Prof Nicole Coolidge Rousmaniere）が担当し、日本語で行われます。テーマは「Art of Manga: an international approach」で、 7月16日（水）の3限・4限、17日（木）の2限・3限・4限、18日（金）の3限・4限をつかった集中授業の形式をとります。 　英セインズベリー日本藝術研究所の研究担当所長にして、イーストアングリア大学の教授でもいらっしゃるルーマニエール先生は、2019年に大英博物館で開催され大好評を博したマンガ展「The Citi exhibition Manga」にて主任キュレーターを務め、現在は2025年秋から2026年1月にサンフランシスコ美術館で開催予定の「Art of Manga（仮）」展を準備されています。ルーマニエール先生は2006年度から3年間、東京大学人文社会科研究科文化資源学研究室の客員教授もつとめていらっしゃいました。 　本授業では、日本のマンガ／漫画を海外の主要ミュージアムで展示することについてのルーマニエール先生の考えと経験について学びます。授業の一環として、本郷キャンパスの目と鼻の先にある弥生美術館を訪問し、学芸員の外舘惠子さんより漫画資料の調査・収集・展示についてのお話を聞きます。また、漫画家のヤマザキマリさんを招き、ルーマニエール先生との対談を聞く機会も設けます。 ルーマニエール先生が示す本授業の概要は、以下のとおりです。 Manga as a Japanese visual narrative art form has grown over the last 100 years to become a global phenomenon. Initially referring to comics and graphic novels, manga has expanded beyond its original hand drawn forms to include a variety of expressions including digital forms, art, fashion, and new media, and as a result has an immense international reach. It is read by people of all ages in Japan and is increasingly popular globally. It is also big business: the turnover of the domestic Japanese manga industry alone in 2023 was approximately 694 billion yen. Exhibitions of manga in Japan have taken place for the last 20 years normally focused on a simple publisher or artist. In 2019, The British Museum undertook the first large scale exhibition of genga drawings from 50 artists in historical context. From September 2025, the San Francisco Art Museums will undertake an ambitious exhibition of 10 artists’ work focusing on the art of manga. This course will examine the meaning and challenges of these different displays in international context along with the impact these displays are having on the Japanese domestic manga industry. Currently a national archive for manga and related industries is being actively discussed in the government while local archives are already being formed in Tokyo, Kita-Kyushu, Akita and Hokkaido. These topics will be addressed along with a visit from the well-known manga artist Yamazaki Mari and a study visit to the Yayoi Museum which has just begun to seriously collect manga.

【目標】 臨床美術※（クリニカルアート）の手法で絵画・造形の作品制作の楽しさを体験することで、自らの感性と表現する力を再発見し、創造性と自己表現力を高めることを目的としています。 また、他者とアートを介在してコミュニケーションをしたり、他者の作品を見ることで自分とは違う感性に触れ、他者理解を深めることも目的としています。 ※臨床美術は作品制作を通じて、絵の得手不得手に関係なく誰でも表現活動ができるアートメソッドです。医療・教育・福祉・企業など様々な機関で取り入れられています。 [Objective.] The purpose of this program is to rediscover one's own sensitivity and ability to express oneself and to enhance creativity and self-expression through experiencing the joy of creating paintings and sculptures using clinical art* (clinical art) methods. It also aims to deepen understanding of others by communicating with others through art and by experiencing sensitivities different from one's own through looking at other people's artwork. *Clinical art is an art method that allows anyone to engage in expressive activities through the creation of artwork, regardless of whether they are good or bad at drawing. It has been adopted by various organizations in the medical, educational, welfare, and corporate sectors. 【概要】 オイルパステルを中心に、墨・アクリル絵の具・粘土など様々な画材を用いて、具象・抽象の絵画や造形の表現演習を行います。またギャラリートークやロールプレイングなどでアートを通したコミュニケーションの演習を行います。 [Summary] In the class, students will practice figurative and abstract painting and modeling expression using a variety of painting materials, mainly oil pastels, but also sumi ink, acrylic paint, mediums, and clay. Students will also practice communication through art by giving gallery talks and role-playing.

個々の社会における常識（ものの見方や思考の枠組み）は決して不変・普遍ではなく、時代や地域が変われば大きく様変わりする。この授業では、音楽（特に童謡）に注目することを通じて、そうした社会常識の変化を確認し、もって現代を「相対化」することを試みる。受講生には、現在進行形で変容する文化を分析するための視座を獲得してもらいたい。また併せて、提示されたテクストを能動的・批判的に読む姿勢も身につけてもらいたい。 具体的には、授業担当者が2018年に発表した書籍『童謡の百年』を教科書に用い、社会と音楽との関係を具体的事例に沿って考えて行く。なお同書は、「童謡」に対する我々の一般的・今日的イメージ（「日本人の心のふるさと」）が、どのような経緯のなかで成立・浸透してきたのかを追跡するものである。 The common sense in each societies changes a lot by the era or the region. In this class, we confirm such changes of common sense through observing music, especially Japanese nursery rhymes. Students will be expected to get the skill of analyzing the culture which continues changing. Text book is "Doyo no Hyakunen" (Chikuma Syobo, 2018), written by the instructor. This book treats the circumstance which our general and contemporary image about Doyo(Nursery rhyme) was materialized and have permeated.

自然物や芸術作品を鑑賞するときには、対象を知覚し、それについてあれこれ考え、以前に見たものと比較し、感動したり不満をもったりするといったように、さまざまな心の働きが起こっている。こうした心の働きについては心の哲学において研究されているが、現代の心の哲学は心理学や脳科学などの認知科学の影響を受けるかたちで研究が進んでいる。そうすると、認知科学の成果を取り入れた心の哲学の議論は、鑑賞経験とは何かを理解するうえで役立つと考えられるだろう。鑑賞経験は昔から美学において検討されてきたものであるが、実際、現代の美学は心の哲学を踏まえた議論がなされるようになってきている。この授業は音楽経験と鑑賞を主な例としながら、こうした心の哲学と美学の現状を理解することを目的とする。

講義担当者は現役の美術館学芸員であり、地域の学校との連携、アーティストと協働しながらのワークショップ運営などを経験してきた。本講義では、アートをめぐる教育的な試みの豊かさを具体的な事例や文献を通して学び、受講者各自が持つ「アート教育」のイメージや理解を広げ、想像力に支えられた創造の現場づくりにさまざまなかたちで関わっていくための手がかりを得られるようにする。

講義担当者は現役の美術館学芸員であり、地域の学校との連携、アーティストと協働しながらのワークショップ運営などを経験してきた。本講義では、アートをめぐる教育的な試みの豊かさを具体的な事例や文献を通して学び、受講者各自が持つ「アート教育」のイメージや理解を広げ、想像力に支えられた創造の現場づくりにさまざまなかたちで関わっていくための手がかりを得られるようにする。