この授業は、「芸術」について実践を通して学ぶ授業です。 ところで「芸術」とは何でしょうか。しばしば「芸術」は「我々が（あるいは芸術家が）、その思いや伝えたい事柄を、絵画・彫刻・音楽などを通して「表現」することなのだ」と、大変素朴に言われることがありますが、この授業ではそのようには考えません。むしろ私たちがそのような「表現したいこと」に辿り着く以前の段階、すなわち何かを感覚したり思考したりすること、その基盤（インフラストラクチャー）を作り出す行為として「芸術」を考えてみたいと思います。 「感覚や思考のインフラを作り出す行為としての芸術」について実践を通して接近するために、この授業では、私たちが身の回りのモノやコトに接することで生じる「何かを感じたり考えたりする」という経験の身も蓋もない即物的な「現実」を出発点に、そのような「現実」を作り出しているモノやコト、あるいは私たちの身体感覚に対して、リバースエンジニアリング的に観察・解体し、さらにリバース・リバースエンジニアリング的に再構成することで、各自が新たに「芸術」を作り出す経験（芸術家になる経験）を得ることを目指します。

民俗芸能をはじめ各地で伝承されてきた文化を、単なる保存・保護の対象ではなく、私たちの社会にとっての現在や未来に必要なものと位置付けて、その魅力や可能性、活用方法などを担当講師の活動事例を通じて検討し、社会における実装や実践の基礎を開発準備する。 さらに、300年前から岩手県で伝承されてきた「鹿踊（ししおどり）」のデモンストレーション上演、普段触れることが難しい用具や衣装の見学、演者との交流、踊り（身体表現）や太鼓（音楽）の体験をおこない、芸能や伝承が「誰のために／なんのために創作されたのか」、これからの地域の伝承（持続可能性）や表現（文化）が、現代・未来の人間にとって必要なものになりうるのかを考察する。

本講義では芸術学（および美学）の基礎的概念について学びます。 美学とは18世紀に成立した学問ではありますが、古来から芸術および美については様々な思索がなされてきました。本講義ではこれらの問題について、テーマごとに主な議論を取り上げ、美学の文献講読のための基礎的知識を得ることを主な目的とします。

中国古典における文学芸術論（詩・文・書・画・音楽にかかわる理論や批評）について、その歴史的な展開をみわたす視野を獲得し、それぞれ特徴をもつ思想・思潮が、相互にどのような関係にあるのかを構造的に把握することを目的として、原典の精読を行なう。

個々の社会における常識（ものの見方や思考の枠組み）は決して不変・普遍ではなく、時代や地域が変われば大きく様変わりする。この授業では、音楽（特に童謡）に注目することを通じて、そうした社会常識の変化を確認し、もって現代を「相対化」することを試みる。受講生には、現在進行形で変容する文化を分析するための視座を獲得してもらいたい。また併せて、提示されたテクストを能動的・批判的に読む姿勢も身につけてもらいたい。 具体的には、授業担当者が2018年に発表した書籍『童謡の百年』を教科書に用い、社会と音楽との関係を具体的事例に沿って考えて行く。なお同書は、「童謡」に対する我々の一般的・今日的イメージ（「日本人の心のふるさと」）が、どのような経緯のなかで成立・浸透してきたのかを追跡するものである。 The common sense in each societies changes a lot by the era or the region. In this class, we confirm such changes of common sense through observing music, especially Japanese nursery rhymes. Students will be expected to get the skill of analyzing the culture which continues changing. Text book is "Doyo no Hyakunen" (Chikuma Syobo, 2018), written by the instructor. This book treats the circumstance which our general and contemporary image about Doyo(Nursery rhyme) was materialized and have permeated.

【目標】 臨床美術※（クリニカルアート）の手法で絵画・造形の作品制作の楽しさを体験することで、自らの感性と表現する力を再発見し、創造性と自己表現力を高めることを目的としています。 また、他者とアートを介在してコミュニケーションをしたり、他者の作品を見ることで自分とは違う感性に触れ、他者理解を深めることも目的としています。 ※臨床美術は作品制作を通じて、絵の得手不得手に関係なく誰でも表現活動ができるアートメソッドです。医療・教育・福祉・企業など様々な機関で取り入れられています。 [Objective.] The purpose of this program is to rediscover one's own sensitivity and ability to express oneself and to enhance creativity and self-expression through experiencing the joy of creating paintings and sculptures using clinical art* (clinical art) methods. It also aims to deepen understanding of others by communicating with others through art and by experiencing sensitivities different from one's own through looking at other people's artwork. *Clinical art is an art method that allows anyone to engage in expressive activities through the creation of artwork, regardless of whether they are good or bad at drawing. It has been adopted by various organizations in the medical, educational, welfare, and corporate sectors. 【概要】 オイルパステルを中心に、墨・アクリル絵の具・粘土など様々な画材を用いて、具象・抽象の絵画や造形の表現演習を行います。またギャラリートークやロールプレイングなどでアートを通したコミュニケーションの演習を行います。 [Summary] In the class, students will practice figurative and abstract painting and modeling expression using a variety of painting materials, mainly oil pastels, but also sumi ink, acrylic paint, mediums, and clay. Students will also practice communication through art by giving gallery talks and role-playing.

16世紀末にヨーロッパに誕生したオペラですが、その歴史を通じて様々な改訂作業が行われてきました。とりわけ、20世紀に入ると、オペラの「前時代性」に疑義を呈し、私たちの時代が要請するオペラ像の模索が起こります。本講義では、様々な角度からオペラの改訂に取り組んだ作品群を検証します。

この授業では，様々なダンスを学びながら、ダンスとは何かを考えるのが主題です。前半は、欧米と日本，アジアにおける舞踊ジャンルである，タンツテアターからポストモダンダンス、コンテンポラリーダンス，日本舞踊，舞踏を取り上げます。後半はトピックごとに議論を進めていきます。沢山のダンス作品やダンスの映像をみてダンスとは何かを考えることによって，自分と社会や環境との関わりや，他者への理解に繋げていくことを目指します。

講義担当者は現役の美術館学芸員であり、地域の学校との連携、アーティストと協働しながらのワークショップ運営などを経験してきた。本講義では、アートをめぐる教育的な試みの豊かさを具体的な事例や文献を通して学び、受講者各自が持つ「アート教育」のイメージや理解を広げ、想像力に支えられた創造の現場づくりにさまざまなかたちで関わっていくための手がかりを得られるようにする。